MILES + BRAVEHEART. Rock Palace (Madrid)

El 1 de mayo se presentó la oportunidad de disfrutar con el directo de MILES, banda cuyo último disco me había impactado notablemente. Así que allá me fui, muy bien acompañado, y dispuesto para ver como podían convertir sus complejas y psicodélicas composiciones en un espectáculo en vivo.

Este día MILES actuaban como teloneros de los brasileños BRAVEHEART, que se encuentran en plena gira de celebración por su 25º aniversario. Debo apuntar que yo no conocía de nada a los brasileños, ni tan siquiera en disco, pues no he escuchado ni uno solo de ellos. Así que mi interés principal se centraba en MILES y comprobar cuanto de auténtico hay en su último y elaborado trabajo “First To Come, Last To Know”.

Cartel del evento… ¿Stoner Rock?

El evento estaba anunciado como una fiesta de stoner rock, lo cual me hace sonreír y me apena a partes iguales. En primer lugar, porque esa noche nadie tocó stoner rock en esa sala, una etiqueta inventada en los 90 para renombrar a una forma de hacer música que en los 70 ya practicaron los pioneros de muchas cosas Black Sabbath y Pentagram (por ejemplo). En segundo lugar porque intentan vender como una fiesta lo que no lo era. Se trataba de un concierto con un artista internacional que nos visita, abierto por una banda local. No hubo ni más ni menos que eso. Intentar vender eso como una fiesta me parece tan absurdo como intentar vender cualquier acontecimiento artístico (exposición pictórica, escultórica, ó presentación de un libro) como una fiesta. No enumeraré los detalles que hacen que una fiesta sea una fiesta, pues creo que son obvios. En fin, un intento comercial engañoso para intentar atraer al público con una idea que alguien piensa que puede ser atractiva.

Por fin, tras una tensa espera, MILES se suben al escenario de Rock Palace con toda la elegancia y paciencia, de quien tiene un arduo trabajo por delante, y quiere dar el cien por cien. Según tengo entendido, llevaban mucho tiempo sin tocar.

Sin darnos cuenta, se inicia la creación de sonidos que te obligan a poner tu vista y oído a máximo rendimiento. Cada uno de los músicos inicia su ritual interpretativo, buscando saciar la creatividad personal pero creando el acompañamiento adecuado a sus compañeros.

David tiene una idea muy emocional de como tratar las seis cuerdas, buscando transmitir emociones, bien con sonidos distorsionados y repetitivos que te generan rabia y frustración, u otros más turbadores y sensibles, buscando la calma tensa. Ambas formas de interpretar se alternan e interrelacionan en un músico con vocación de emocionar con su música. Luismi, al bajo, y Juan, en la batería, no son precisamente una base rítmica propiamente dicha. Es interesante ver como Luismi trabaja su bajo como si de una guitarra tratara, acompañando a la otra guitarra en los momentos necesarios, pero pidiendo su propio protagonismo en otros. Ni Luismi ni David nos mostraron grandes exhibiciones técnicas, pues el objetivo es transmitir emociones, y arrastrar al público en su viaje, ambas cuestiones son prioritarias, anteponiéndolas al ego personal. Esto no quiere decir que no demostraran saber manejar primorosamente sus instrumentos, pues esto es imprescindible para el planteamiento artístico de MILES.

MILES sobre el escenario de la sala Rock Palace

Por su parte Juan, aparentemente libre del habitual nexo que une al batería con el bajo, sí que dio tremendas dosis de técnica percutora. En ocasiones con técnicas de jazz, de rock, o metaleras, otras con enfurecidos y desinhibidos ataques acelerados, Juan dio el do de pecho, viviendo y sufriendo cada golpe, mostrándose parte indisoluble del objetivo común de mover la nave, con el público a bordo, para llevarnos a toda potencia a través de los espacios siderales.

Mención aparte merece la sorprendente Ruth. Vocalista y piloto de la nave, disfrutando de la conducción, vibrando con cada cambio dimensional, transmitiendo su emocional interpretación del mensaje MILES. Es interesante destacar que Ruth, más allá del mensaje verbal, utiliza sus cuerdas vocales como un instrumento más, en ocasiones con la rabia de un riff, machacando la mente del oyente, en otras con la contundencia de la percusión, con gol

Set-list de MILES, rescatado debajo de un pie de micro.

pes de voz que te descubren una nueva emoción en el viaje, y en otras disfrutando de la suavidad que transmiten las grandes llanuras espaciales. Una mujer carismática capaz de tirarse al suelo cuando el mensaje le duele, o desafiar a la audiencia cuando le vence la rabia.

Casi toda la actuación estuvo integrada por canciones de su disco “First To Come, Last To Know”, aunque algunas no las reconocí. Lo cierto es que poco importaba qué canciones fueran. Al igual que me pasa con su disco, su concierto fue un viaje. MILES ponen una banda sonora a tu imaginación para que tu mente decida a donde quiere viajar. Si su primer disco era más grunge, tanto este último doble CD como su actuación son una remembranza del rock psicodélico de los 70, aquel space rock que practicaron Hawkwind, aunque también encontré en MILES sonidos afines a los inicios de bandas como Pink Floyd ó Led Zeppelin. También están sazonados con algo del punk británico de hace cuatro décadas, y un poco de grunge, aunque muy diluido.

Para redondear la descarga, en la última canción David y Luismi se intercambiaron los instrumentos, dando prueba de la versatilidad en la que se mueven estos jóvenes amigos y creadores.

Cuando terminaron, no pude evitar un suspiro, como si hubiera estado conteniendo la respiración hasta ese momento. Pasión, creatividad y técnica al servicio del arte son las señas de identidad de una banda con la que estoy disfrutando mucho. Sin duda, un excelente presente, y un extraordinario potencial, si tienen la suerte y oportunidad de poder demostrarlo.

Llegados a este punto, yo ya estaba plenamente satisfecho de la noche. ¿BraveHeart? Bueno… en ese momento pensaba, “los vemos empezar y si son un rollo nos piramos”. Desde luego, había que darles una oportunidad a estos brasileños con 25 años de historia. Yo había buscado música de ellos en youtube, por no ir en blanco, y lo que había escuchado no me había llamado la atención. Mucho acústico. Poca melodía. En fin, que no les pillé la onda en esos vídeos.

Durante la actuación de MILES, ya se les había visto en la sala, presentes y disfrutando de la actuación de los madrileños. Sobre todo al gigante Michael Bahr, voz y bajo, con sus dos metros de altura (calculado a ojo de buen cubero, pues no llevaba un flexómetro a mano).

Sin más preámbulos que la lógica desconexión y conexión de instrumentos, se subieron al escenario este trio de brasileños, que nos dieron la bienvenida a su show de heavy rock (Sigo sin ver el stoner por ningún lado). Si Michael Bahr destaca por su descomunal presencia, con la altura de Blackie Lawless, la barba de Lemmy, y la voz y el bajo de James Hetfield; el guitarrista Marcos Camillo lo hace por su gorro de cowboy y su indudable estilo sureño de tocar la guitarra. El batería Silvio Filho apenas era percibido, tras estos dos atrayentes personajes en primera fila, pero se hizo valer con un trabajo de percusión ajustado a lo que pedía la música.

BRAVEHEART, tienen una idea de la música antagónica de MILES en muchos sentidos y eso despertó el interés del respetable, que comenzó a mostrar interés, canción tras canción. Sin duda en la variedad está el gusto.

La imagen puede contener: 3 personas, personas de pieOfrecen un show heavy, orientado a la música rock que se practica en el sur de EE.UU. Por momentos tenías la sensación de estar viendo una mezcla entre Metallica con Kansas ó Lynnyrd Skynnyrd. Me sorprendió lo parecido del timbre de Michael, con el de James Hetfield, y sonando a Metallica de forma descarada. Esto, en combinación con el rock sureño del guitarrista Marcos, me pareció algo original, que daba personalidad a la banda. Recordemos que llevan haciendo esto desde el 92. Su música está claramente creada para divertir, para crear un ambiente de fiesta en el que la gente baile, cante y se olvide de todo por un rato… ¡y lo consiguieron! No sé en qué momento empecé a bailar y cantar las canciones, que no conocía de nada, pero de repente me descubrí a mí mismo practicando mi penoso air guitar, sudando, y cantando los estribillos como si me fuera la vida. Cada vez más cerca del escenario, pues hasta ese momento el espacio entre escenario y público había sido quizás mayor del deseable, todo el público se fue animando y, para cuando me di cuenta de como me habían conquistado, toda la Rock Palace estaba igualmente en pleno jolgorio. El momento cumbre llegó con el último tema, Cold Mind, que yo había escuchado en youtube y me había dicho muy poco. En directo ganó muchos enteros, como el resto de los temas, y supuso la apoteosis final.

Finalizado el show, el batería hizo un selfie de la banda con el público detrás. Me hubiera hecho mucha ilusión ver esa instantánea, pero lamentablemente no la han publicado en sus redes sociales.

Cara B de la púa de Michael Bahr, obtenida directamente de sus manos.

Cara A de la púa de Michael Bahr, obtenida directamente de sus manos.

El gran placer al que jamás renunciaré es poder tocar a los músicos, felicitarles o no, y sentir como cada artista vibra, disfruta o sufre en el desarrollo de su arte. Yo reivindico absolutamente los conciertos en salas pequeñas, por encima de los grandes eventos, que a mí jamás me han satisfecho como estos otros. Poder hablar con los chicos de MILES, mirarles a los ojos, preguntarles alguna cosilla, ó darles tu opinión, y volver a mirarles a los ojos (que siempre dicen más que las palabras), es un placer incomparable. Y lo mismo con BRAVEHEART. Ver a esa mole humana que es Michael, disfrutando como un niño pequeño, al ver nuestro propio disfrute, es algo que no tiene comparación. Estoy convencido que si hubiera visto a BRAVEHEART en un lugar más grande, no me lo habría pasado tan bien, ni habría disfrutado tanto; y si hubiera visto a MILES en un lugar de miles de asistentes, probablemente no hubiera sentido lo mismo.

Solo puedo terminar esta crónica con un grito que siempre llevo en mi interior, pero que ese día sentía más fuerte que nunca…

¡VIVA LA MÚSICA!

 

CARLOS TREVIÑO COBO

 

OMNIA TRANSIT. Barracudas Rock Bar, presentación en Madrid de “Las Vueltas De La Vida”, 24 de Marzo de 2017

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La propuesta de hacer dos conciertos consecutivos en Madrid, uno el viernes en la capital con entrada a 9 euros y regalo del CD, y otro en Fuenlabrada y gratuito, a pocos kilómetros de la ciudad, es algo que puede resultar arriesgado. Dando por supuesto que actuar en el Barracudas Rock Bar supone un esfuerzo económico, y que en The Rockers (Fuenlabrada), siendo gratuito, las ganancias que generen los asistentes serían para el local, uno tiene que pensar el organizador ya tenía asumidas las pérdidas. Además, si pensamos que ese viernes había no menos de media docena de conciertos de Rock y Metal en la capital, el asunto pintaba difícil.

Por cercanía, yo opté por acudir al evento de la sala Barracudas, dando por casi seguro que seríamos muy pocos. Aun así, aunque no es la primera experiencia en este sentido, no esperaba realmente que fuéramos tan pocos. Las entradas vendidas se podían contar con los dedos de la mano, compradas por los propios medios que íbamos a cubrir el evento (y también a disfrutar) y un par de roqueros más.

DSC_0098Visto lo visto, uno podría pensar que el asunto iba a estar frio y desanimado… ¡Pues nada más lejos de la realidad!

OMNIA TRANSIT desprenden un feeling sobre el escenario que se contagia de manera inesperada. Te absorben con su actitud, y logran transmitir emociones hasta hacerte sentir partícipe de un evento muy especial.

Por supuesto, presentaron su disco, interpretando temas como “Cuenta La Historia” Y “En Otro Lugar”, después de sonar una intro que, si no me equivoco, era la sintonía de la mítica serie infantil “Don Quijote De La Mancha”. A continuación sonó “Maldito Sea Tu Nombre” (Angeles Del Infierno), primera cover de las seis que intercalaron entre sus temas propios, al ritmo de 2 propios y una versión (más o menos). Tras lograr que cantáramos y levantáramos los puños con tan buena versión, siguieron desgranando “Las Vueltas de La Vida” con “Amanece Oscuridad” y “La Unión Es La Fuerza”, esta última inspirada, según nos contó Víctor, en el movimiento 15-M y aquellos míticos días en la Puerta Del Sol de Madrid. Llegó la segunda versión con el “Sweet Child of Mine”, que nos dejó un poco más fríos (bueno, al menos al 15% del público, o sea, a mí).

Los dos siguientes temas nos pegaron directamente en el corazón. Primero con “Fusilado”, una canción que te pone la piel de gallina, cargada de emoción y rabia, e interpretada magistralmente por Víctor, un cantante que sabe utilizar muy bien su voz midiendo hasta donde puede y no puede llegar (lo mejor que se puede decir de un cantante). La segunda, en un tono más distendido, da nombre a la banda, “Pasa el tiempo”. Nueva versión con “Fear Of The Dark”, y dos temas más de “Las Vueltas de La Vida”: “Gana La Banca” y “Muerte Colateral”, la primera criticando el sistema capitalista que nos esclaviza, y la segunda reivindicando justicia para los palestinos. En algunos momentos entre canciones, como antes de “Muerte Colateral”, y debido a los pocos que éramos, se producían intercambios de comentarios y opiniones entre público y banda. La sensación de estar disfrutando de un pase privado (en la práctica, así era) era muy notable, y cada uno nos sentíamos como si OMNIA TRANSIT estuviera tocando especialmente solo para nosotros, como si estuviéramos en el local de ensayo, o en el salón de casa.

DSC_0099La noche transcurría entre amigos, con unas interpretaciones excelentes por parte del grupo, y una conexión especial con los que allí estábamos.

Continuaron con una nueva versión, en esta ocasión un medley de Metallica que, al igual que Maiden y los Guns, me resultó muy previsible. A continuación bajaron un poco el ritmo con “Ahora Que No Estás”, al que siguió el tema que a mí personalmente más me apasiona del nuevo disco, “El Torito”. Aquí animamos con unos “olés” la magnífica intro guitarrera de Jorge, para disfrutar de este temazo, que supone tan solo la punta del iceberg del fenomenal disco que estaban presentando. Por primera vez tocan tres temas propios consecutivamente, con “En Mis Sueños”. Víctor lo presentó como un tema thrash, y así fue la interpretación. Aunque en el disco yo personalmente le encuentro más influencias y connotaciones, si es cierto que en directo quedó como un verdadero tema thrash, con influencias de la primera época de Metallica, hasta el “Master…”.

En este momento ya no importaba cuantos estábamos presentes. O son excelentes actores, o la banda estaba disfrutando tanto como nosotros de una noche mágica. Un concierto entre amigos en el que no faltaba ni sobraba nadie. Bailando, cantando, alzando los puños y disfrutando de una descarga “sublime” (así la calificó mi amigo y “grabador de videos” oficial de La Hoguera, Antonio).

Pero aún faltaba lo mejor, la excelente medley que interpretaron de Barricada. José Fariña bajó uno de los micros y lo volvió al público, animándonos a que cantáramos con ellos. No sé si era consciente de que los allí presentes estábamos muy familiarizados con los micros. Así que no nos costó nada agarrarnos al susodicho, y ponernos a berrear con la banda, a golpe de Barricada, y unos temas perfectamente enlazados, logrando un clímax y emoción máximas en la sala. Puede que fuéramos pocos, pero nos divertimos como si aquello estuviera “petao”.

Tras estos inolvidables momentos de fiesta y jolgorio, se acercaba el fin. Victor pretendía enseñarnos el estribillo de “Gracias por estar ahí”, el excelente colofón al disco, y a cualquier concierto. Pero al primer intento, respondimos automáticamente con la letra que pretendía enseñarnos. Con la alegría del esfuerzo ahorrado, comenzó la canción. Cantamos con todas nuestras ganas, intentando multiplicar por tres nuestras gargantas. Una gran felicidad se respiraba en ese momento, en el Barracudas Rock Bar.

Para terminar utilizaron la fiestera “El Ultimo Mohicano”, en la cual bajaron todos del escenario para tocar directamente entre nosotros, mezclados, haciéndonos dar palmas y saltar hasta el fin. Realmente si hay un momento que pueda definir el Rock & Roll, fue este apoteósico final.

Por más que se esforzaran en darnos las gracias por estar allí, tanto en el escenario, como en las charlas posteriores que tuvimos el placer de disfrutar, el agradecido fui yo. Me sentí un privilegiado por vivir una noche tan especial y única. No todos los días tiene uno el lujo de que una banda de un conciertazo casi para ti solo, con toda la fuerza y la intensidad como si la sala hubiera estado a tope.

Me habían llegado muy buenas referencias de los OMNIA, y doy fe de que no me engañaron. Este grupo tiene calidad en sus composiciones, en sus interpretaciones, y en su actitud de auténtico rocanrol, como para que lleguen mucho más alto. Solo espero que lo consigan, y que podamos seguir disfrutando de su excelente saber hacer.

¡Grandes, Muy Grandes los OMNIA TRANSIT!

 

CARLOS TREVIÑO COBO

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ETHAN. Presentación de “Resurgir”. Sala Taboo (Madrid)

 

 

El pasado 10 de Marzo, los madrileños ETHAN se plantaban ante admiradores y curiosos para demostrarnos en directo si la magia de “Resurgir” era algo real, posible de disfrutar en directo y primera persona.

Cuando entramos en la sala, encontramos a los músicos dispuestos a saludar a aquellos que nos acercamos hasta la calle Vicente Ferrer, para darnos las gracias, y ofrecerse a cualquier interrogante que pudiéramos tener. Se les notaba tranquilos, las cartas estaban echadas, y solo quedaba jugar la partida… y ganarla.

Muy puntuales se apagan las luces y el actor Luis Turel, que también pone voz en off en el disco, sale a escena para declamar un texto introductorio escrito expresamente para la ocasión, que nos puso en antecedentes sobre lo que vamos a vivir esa noche.

“Y donde la orilla… donde acaba El Mar…

Ningún sueño cabe en un recuerdo,

ninguna de tus huellas te adelantará jamás.

No hay precipicios, sólo el hechizo de volar, sin despertar, sin olvidar…

 

Cuando no hay horizonte y los caminos tan solo son líneas en un papel,

no vuelvas la vista atrás, se borraron tus huellas en la arena.

Es la condena de la decepción. No hay solución si no hay problema…

 

Sobre el mar de las ausencias, un perfecto maremoto de ansiedad,

oscuridad y desengaños, voraz oasis de necedad,

Futuro a sueldo de una eterna piedad.

 

Rompe el cristal, libera tus fracasos de oxidado metal,

derriba esas puertas,

detrás está esperando… TU LIBERTAD”

El “Zurdo” Tovar acompaña con sonidos que imbuyen tensión y dramatismo a una escena que inicia la actuación de forma teatral. Evoluciones sónicas del inicio de “Duelo De Orgullo”, canción con la que comienza el disco, y con la que iniciaron su actuación. Txetxu aparece sobre el escenario con los ojos vendados y, de esa guisa, interpreta la canción completa. Al final de la misma, enlazando con “Vuelve A Volar”, se arranca la venda…

A partir de ahí el disco es desarrollado tal cual fue grabado, con la potencia de un huracán. Txetxu, vive, sufre y se emociona con cada canción, haciéndonos sentir parte de la historia. Debo decir que he visto a ETHAN con mejor sonido en otras ocasiones. Curiosamente se le escuchaba mejor cuando utilizaba un tono más bajo. Sin embargo, cuando la pasión del momento le exigía mantener un tono alto y potente, parecía que se bajara automáticamente el volumen del micro. Esto no nos permitió disfrutar en toda su plenitud de la espléndida voz de Txetxu. Para los que somos más “tiquismiquis”, esto podría haber sido un pequeño hándicap, pero la energía transmitida suplía cualquier inconveniente dando cuerpo a una descarga de pletórico rock progresivo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ni qué decir tiene que el “Zurdo” estuvo impresionante, con líneas de guitarras que se apoderan directamente de las emociones, tal y como también lo hace en el disco. Mención aparte merecen Juanjo Arcas y José Hurtado, a la base rítmica. Ver a estas dos máquinas trabajando en tan perfecta comunión es algo que yo recomiendo disfrutar al menos una vez en la vida. No solamente son técnicamente perfectos en sus ejecuciones. Es que además son tremendamente creativos de forma individual, aunque sin perder la conexión mutua, por lo que el resultado es un sueño para cualquier guitarrista o vocalista que desee una sólida base sobre la que desarrollar su propio arte. Además, cabe destacar la habilidad de Hurtado para conseguir que su bajo suene en perfecta sintonía con la batería de Arcas, mientras juega y/o dialoga con las seis cuerdas de Tovar.

Hubo varios momentos de descanso en los que Txetxu, como buen frontman, agradeció al público su asistencia, así como a los presentes y no presentes su participación en el crowfunding. También tuvo tiempo para agradecer a los medios su apoyo, entre los cuales me mencionó a mí, y yo le agradezco.

Llegado el fin de la penúltima canción del disco, “Voces”, Luis Turel aparece de nuevo a escena, para declamar su intervención en el disco, aunque con un texto modificado expresamente para este evento…

 

“En la pesadilla siempre se esconde la verdad,

levanta la cabeza ante la realidad,

Guarda la moneda destinada a Caronte.

Reponte…

Pronto amanecerá sobre el caudal de los llantos perdidos.

 

Ya sabes que elegir es… prescindir

Añorar el pasado es correr tras el viento

 

SALTA… SALTA… ¡SALTA!

El fracaso es la mejor excusa para volver a empezar,

Eso es el fracaso.

Recuerda que estás hecho para resistir.

No hay nada que temer, no hay nada que perder, tan solo el aliento,

Y, muerto el sentimiento, solo queda…

¡RESURGIR!”

 

Tras la intervención de Turel y su gran voz… ¡Sorpresa!

Yo lo veía venir.

Cuanto más escucho el trabajo de la banda en su conjunto (“El Despertar Del Ser”, “Mi Amado Mal”, “Resurgir”), más conexiones veo entre las historias de sus diferentes letras. Hasta tal punto, que en la entrevista que les hice la semana anterior al concierto, les confesé mis sospechas de que hubiera temas de su pasado que pudieran encajar perfectamente en la historia de “Resurgir”. No diré que acerté, pero sí que ocurrió algo parecido a lo que imaginaba. Entre “Voces” (penúltima en “Resurgir”) y “Resiste” (ultima), nos sorprenden con “El Laberinto De Caín”, que encaja como anillo al dedo, y siguen con “Animal”, ambas de su primer EP, “El Despertar Del Ser”, con el que me conquistaron en su momento.

Para cerrar su actuación, ahora sí, “Resiste” estalla con toda su intensidad. Supongo que ya lo habréis visto en YouTube, pero os contaré que a mitad de canción, Txetxu nos pide que nos agachemos, y la banda nos secunda sobre el escenario. Txetxu comienza a cantar la parte más pausada de la canción, que va cogiendo intensidad por momentos, hasta que toda la pista ante el escenario estalla en una gran batalla de “pogo” que los más resistentes disfrutaron con toda su intensidad. Otros nos conformamos con bailar y cantar a un lado, disfrutando de un fin de fiesta descomunal.

Y este fue el fin… pero no. El público exigió otra que, honestamente, no parecía que tuvieran prevista. El grupo ya estaba recogiendo, y se vieron obligados a debatir sobre el escenario, hasta decidir con qué bis concederían nuestra petición. La elección fue su versión de Depeche Mode “Dream On”, con la que, esta vez sí, entre aplausos y un ambiente pletórico, cerraron una noche inolvidable tanto para la banda como para muchos de los que estuvimos allí.

Siempre sobresalientes… ¡hasta la próxima ETHAN!

CARLOS TREVIÑO COBO

OMNIA TRANSIT – Las Vueltas De La Vida (2015)

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“Más vale tarde que nunca”…

Así reza el refrán que me viene como anillo al dedo para empezar la crítica de un disco que lleva más de un año en la calle.

Yo conocí a OMNIA TRANSIT hace poco más de medio año. La banda pacense fue pinchada por mi amigo y colega Roberto, de “Pecado o Rock & Roll”, en su primera emisión en Onda Diamante, la emisora de Canillejas (Madrid). Inmediatamente despertó mi interés, por lo que le pedí el disco entero, que me pasó en formato digital. Cuando disfruté por primera vez, recuerdo que pensé: “¡joder! Qué banda tan buena… ¿Cómo no los conocía?”. Pues, está claro que el mercado está saturado de miles de bandas, y muchas con gran calidad. También existen muchos medios altruistas, sin ánimo de lucro, como La Hoguera, que hacemos todo de forma “amateur” (palabra francesa proveniente del latin: “Amator”= El que ama, hacer algo por amor). Así pues, se antoja comprensible que ni todos los amantes del rock conozcamos a todas las bandas, ni todas las bandas puedan llegar a todos los medios amateur especializados. Los profesionales seguro que reciben todo, aunque hagan caso a un tanto por ciento mínimo. Muchos discos que caen en saco roto.

Cuando comencé a difundir la música de OMNIA TRANSIT en el programa, la banda, agradecida, me envió el CD. Hay muchos medios que exigen los CDs físicos como si fueran churros, ignorando las dificultades, el trabajo y el coste que debe aportar cada grupo en componer, ensayar, diseñar y grabar físicamente sus creaciones. Por eso, mi agradecimiento es mayúsculo, sobre todo, habida cuenta de la calidad que contiene este disco, “LAS VUELTAS DE LA VIDA”, que ahora me dispongo a presentaros.

Por cierto, puedes descargarte sus anteriores trabajos de forma gratuita en: http://omniatransit.com/

Y escuchar el nuevo, en: https://www.youtube.com/watch?v=OmL0-4wOVTY

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OMNIA TRANSIT, tal y como nos cuentan en la canción que cierra el disco, lo inician 4 amigos en Badajoz, Los hermanos Fariña a la guitarra y batería, Antonio Fernández al bajo, y Jorge Pacheco a la otra guitarra; y en 2013 entraría el quinto componente actual, el vocalista Victor. Cuentan en su haber con un primer disco en directo, del año 2010, al que siguió una maqueta. Pero si de discos completos y en estudio hablamos, este es su segundo trabajo.

Un disco enormemente elaborado, como se hacían antes los discos, poniendo esfuerzo y cariño en cada corte. Dando personalidad a cada composición para que el oyente disfrute del viaje propuesto por la banda.

El disco está dividido en 2 actos, de siete cortes cada uno, y con su correspondiente intro.

ACTO 1:

El Acto 1 se abre con una “Obertura” en la que escuchamos unos pasos, una puerta que cruje al abrirse. Alguien da cuerda a una caja de música, que nos cautiva con su dulce y minimalista melodía. Esto me hace pensar que el tiovivo de la portada sea en realidad esa caja de música con la que se abre el disco.

A continuación, “Fusilado” (cuyo video-clip podéis disfrutar ya on-line). Un tema de inicio melancólico, triste, que nos sumerge en un ambiente apesadumbrado que se rompe hablando de soldados de la muerte, y la matanza de Badajoz. Continúa por derroteros musicalmente muy definitorios de lo que es OMNIA TRANSIT, es decir, Heavy Rock clásico de sabor ochentero, con una voz de Victor González que sorprende por su dramatismo, acorde con el sufrimiento de los recuerdos relatados. Vaya por delante ya el aplauso al buen gusto y elegancia con el que José Fariña y Jorge Pacheco desarrollan su trabajo tanto en riffs atractivos como en solos que saben tocar la fibra del oyente.

Omnia Transit” es el nombre de la banda, y el título de una canción que se inicia con un riff de la escuela Saxon. Un respiro, después de la dura “Fusilado”, que nos avisa de lo inexorable del tiempo, y nos recomienda disfrutar a tope de cada momento.

En “Muerte Colateral” añaden un punto de rock urbano a su heavy rock, para conseguir un sonido muy personal. Recuperan su implicación social abordando el difícil tema de Palestina, y hacen un interesante análisis de la situación aparente irresoluble que sufren sus abandonados habitantes. Recomiendo un libro que acabo de leerme de Julia Navarro, “Dispara, Yo Ya Estoy Muerto”, que permite entender el como y por qué se ha llegado a la actual situación entre palestinos y judíos.

Gana La Banca” nos traslada a los tiempos en los que cualquier obrero se creía con derecho a tener 3 coches y chalet, engañado por gobernantes y banqueros, que siempre ganan. El trabajo de las guitarras es espléndido, convirtiéndose en permanentes protagonistas que los diferentes giros de las composiciones.  En “Amanece Oscuridad” se perciben sorpresivamente ciertas influencias del rock andaluz, mientras su letra nos hace ver las enormes desigualdades de un planeta en el que los que no pasamos hambre somos minoría.

El Acto 1 se cierra con la sorprendente “El Torito”. Una canción con inicio clásico, claramente influenciado por el Concierto de Aranjuez, de Joaquín Rodrigo, al que sigue una composición de Rock andaluz con base rumbera, inspirada en los mejores tiempos de este estilo tan maltratado, cuando las bandas tenían más en cuenta la calidad de las composiciones, que la comercialidad de las mismas. Un temazo que, para mí, es el mejor de un trabajo de por sí excelente.La imagen puede contener: una o varias personas, personas en el escenario y personas tocando instrumentos musicales

ACTO 2

Una intro, titulada “Intermezzo”, siguiendo los patrones clásicos de como debe ser una intro de Rock, pero con inicio de cello, da paso a este segundo acto.

Cuenta La Historia” vuelve sobre el difícil tema de denunciar las mentiras históricas sobre la Guerra Civil, denunciando los asesinatos en masa que sufrió una población desarmada, víctima de los golpistas. “En Otro Lugar” recupera la influencia del rock andaluz, con una base rítmica protagonista, sobre todo en el fantástico trabajo (a lo largo de todo el disco) de Antonio Rodríguez, que se convierte en protagonista de algunos momentos, tanto en esta canción, como en otras, a lo largo de todo el cd.

La Unión Es La Fuerza” se inicia con un riff de guitarra, que me trae a la mente aquel mítico tema de Iron Maiden “Flash Of The Blade”, pero que continúa con el Heavy Rock ochentero, marca de la casa, y cierto saborcillo a Obús, cuando eran una banda que se tomaba en serio, en la época del “Pega Con Fuerza”. Por otra parte, continúan su crítica social, animando a la revolución y criticando a los que se apoltronan en sus sofás, aun cuando la realidad social les indigna.

Para terminar el trabajo, un medio tiempo titulado “Ahora Que No Estás”, al que sigue “En Mis Sueños”, quizás el tema más extraño y complejo del disco. Mientras Víctor nos canta sobre sus utópicos sueños de un mundo mejor, donde no existieran todas las injusticias de la realidad, la canción se sube en una montaña rusa de cambios de ritmo y estilos que homenajean a los grandes del thrash metal, Metallica, aunque también a Anthrax en algún pasaje más hardcore. Magnífico trabajo en la base rítmica de Juanma Fariñas y Antonio Rodríguez, como siempre, esencial para que el resto de la banda pueda desarrollar tan complejas líneas compositivas. Quizás pueda ser considerado el corte progresivo del disco.

Para cerrar la escucha, qué mejor que una canción que sirva para presentar la banda… ¡literalmente!. A lo largo de “Gracias Por Estar Ahí” Víctor se dedica a presentar al grupo, uno a uno, con sus defectos y virtudes, convirtiendo el corte en el mejor final posible, no solo para el cd, sino para cualquier concierto. Una canción, muy cantable, de estribillo pegadizo, simpática y divertida que marca un claro punto y final para “Las Vueltas De La Vida”. Como epílogo, un grupo de niños cantan el pegadizo estribillo de la canción, pero no de un modo dirigido, sino como un juego natural, dando un último toque de emoción y humanidad a un disco que, de por sí, está repleto de ello ¡Incluso el ladrido de un “perrillo” pretende emular ese estribillo!. Resultado de imagen de omnia transit las vueltas de la vidaQuiero leer también en ello un punto de vista sobre como tomarse la vida, porque nunca debemos perder la ingenuidad con que los peques perciben las cosas. Quizás la salvación personal esté en no perder nunca nuestro lado más infantil.

Dicen por ahí, quienes han disfrutado de OMNIA TRANSIT en directo, que valen mucho la pena, por su calidad y energía sobre el escenario.

Estoy deseando poder disfrutar de ese placer.

CARLOS TREVIÑO COBO

MALASUNTO – Primer Round (2016)

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Hace un lustro más ó menos, un grupo de amigos con más de 20 años pisando los escenarios madrileños, se juntan con la clara idea de divertirse haciendo lo que más les gusta. Sin más ambición que pasarlo bien desahogando su rabia a golpes de Rock & Roll, comienzan a dar forma a este proyecto denominado MALASUNTO.

Esos amigos son Chema Ramos (Guitarra) y Ángel López (voz), a los que pronto se unen Chicho Aenima (guitarra) y Edu Jimmalasunto 2énez (bajo). Finalmente, el combo lo completa Pol a la batería.

Con esta formación han editado su esperada y trabajada opera prima “Primer Round”. Un disco compuesto por 14 cortes en los que vuelcan su creatividad para emitir mensajes de carácter rebelde, relacionados con la sociedad, pero también con uno mismo.

Lo hacen con unas letras, que tocan todos los palos que pueden afectar a la realidad de la gente humilde, incluidos los emocionales. Hablan de cómo nos afectan las decisiones de los “mandamases”, de lo difícil que es el día a día; pero también de las posibilidades de lucha y auto-defensa que tenemos los sufridos habitantes de los barrios marginales de las grandes ciudades.

Y también lo hacen con la música, utilizando estilos que tradicionalmente han nacido de la rabia y el desencanto social. El Punk, muy presente en sus composiciones, es utilizado en sus formas más puras, pero también en su vertiente comercial, en simbiosis con el Rock duro. Tambien están presentes, en este primer trabajo de la banda, influencias del Rock Urbano, practicado con maestría a finales de los 70 y los 80, por referentes como Topo ó Burning.

No me planteo la idea habitual de desgranar canción a canción, pues el álbum, sin ser conceptual, si que refleja un todo, que es la personalidad de un “Ser” llamado Malasunto. Sus caras y cruces, victorias y derrotas, amores y desamores, son el guión sobre el que nos deslizamos a modo de profundización en la mente de los miembros de la banda. Musicalmente, como ya he dicho, también hay una especie de exposición sobre todos los gustos imperantes en el quinteto.

En cualquier caso, por mencionar algunas, destacaría “Niño Veneno”, que es un delicioso corte de Rock Urbano, “Judith” que se encuentra a mitad de camino entre LPR y los sonidos más comerciales de la movida madrileña, ó “Mordaza”, donde el punk rock más combativo da la cara.

En definitiva, una rabiosa descarga de Rock & Roll en la que la habilidad para encajar todas las piezas, convierte la escucha en un potente viaje sobre una montaña rusa de lucha, frustración y emociones desencadenadas.

Si necesitas alicientes para espabilar tu indignación, en este desencantado presente que estamos viviendo, donde la injusticia social empieza a parecer irresoluble, MALASUNTO tiene la fórmula para incentivar tus ganas de pelea…

CARLOS TREVIÑO COBO

 

MORCUENDE – “Tres Caras de la Misma Moneda II: La Vida en Blanco y Negro” (2017)

Antes de leer este artículo, puedes leer una Breve biografía de Morcuende en:

https://lahogueraod.wordpress.com/2017/03/05/morcuende-tres-caras-de-la-misma-moneda-breve-biografia-de-morcuende/

Antes de  leer este artículo, puedes leer  el artículo sobre “Tres Caras de la Misma Moneda” en:

 

morcuende-la-vidaRecién iniciado el año 2017, aparece la segunda parte de la trilogía “Tres Caras de la Misma Moneda”, titulada “La Vida En Blanco y Negro”. Un disco en el que Morcuende continúa con la filosofía de “la personalidad y libertad creativa ante todo”, para ofrecernos una colección de composiciones originales y atractivas, tanto en el fondo como en la forma

Para muestra un botón con “Estrambóticamente en la Botica”. Un corte de rock progresivo, estrambótico (tal y como su propio título indica), alocado, y con mucho del jazz rock al estilo del practicado por los pioneros del progresivo allá en los 60 y 70.

Cambio brusco con una balada triste titulada “Siempre la misma canción”. Una canción que transmite el desencanto y  la eterna decepción que supone la lucha, escasa de éxitos, que es la vida…

 “Pasaba por aquí” es una compleja composición de 14 minutos dividida en cinco partes. La primera se inicia impetuosa, con un trote proveniente de un estado de ánimo alegre y desenfadado; capaz de todo, aventurero, repleto de instrumentos y melodías desbocadas buscando su propio baile de notas, en conjunto pero con protagonismos individuales. Parece que todos los músicos invitados estuvieran en una gran y amistosa competición por divertirse. La parte 2 es un intermezzo  con violoncello y coros, que nos pone en antecedentes, frenando el ímpetu de la parte 1, para llevarnos suavemente la parte 3, de inicio más pausado. Esta es un medio tiempo que evoca en su base rítmica el paso del tiempo de un reloj, ó quizás el trote de un burro por esos caminos de Castilla. La guitarra acústica, el bajo, el Grupo de Cuerda Consort, nos mantienen en ese medio tiempo sobre el que se desenvuelven diferentes dibujos melódicos. La parte 4 es una carta de amor… Un amor exitoso y duradero que ilumina la voz del narrador (Morcuende). El epílogo de esta larga y hermosa composición es la parte 5, con inclusión de guitarras eléctricas que junto a las acústicas logran un épico final.

Intuyo que “Kiara”, la siguiente canción, por la imagen del libreto, debe estar compuesta y dedicada a algún amigo, probablemente de la familia de Morcuende… de raza canina. Intuyo también el gran amor que Morcuende debe sentir por los animales, y Kiara en particular.

Un medio tiempo, el que llega en este momento, es el que da título al disco, “La Vida En Blanco y Negro”. Supone una oda al pasado y a los recuerdos de un tiempo lejano, evocados en una habitación no redecorada en décadas. Añoranza y melancolía están plasmadas en una letra que nos transporta a la casa que muchos recordamos en el pueblo de nuestros abuelos ó familiares.

Vuelve Morcuende, en “Griseida”, a las melodías y ritmos del medievo, con una canción que podría ser un baile popular de cualquier aldea de hace siglos. La guitarra eléctrica final le da un toque de modernidad muy deseable justo en el momento adecuado (¡Qué gran compositor es Morcuende!).

“Jose El Capa, Antonia La Cocina y sus Cinco Secuaces” es el extraño título para la siguiente composición. Una canción de doce minutos, dividida en cinco partes, que en el libreto viene acompañada de dos fotos antiguas, en blanco y negro, dos personas que aparentan ser familiares de Morcuende (me voy a arriesgar, por el parecido físico… aunque seguramente no). Sonidos y melodías folclóricas con cierto aire moderno, gracias a las guitarras acústicas, que convierten esta composición en una deliciosa y evocadora amalgama de sensaciones que trascienden el tiempo, y nos reconcilian con la música sin tiempo ni etiquetas. Música eterna. Diferentes momentos intimistas se rompen en la parte 4 con una alegre música, adecuada para las fiestas de los pueblos recónditos en los lejanos tiempos de la incomunicación, cuando todo era más tranquilo, no existía la globalización ni los desenfrenados transportes, y cada cosa llevaba su tiempo.

Nueva sorpresa con “Allegreto Cantabile”. Composición clásica para guitarra, al estilo de lo escuchado a Joaquín Rodrigo ó Paco de Lucía, donde se aprecia una gran exhibición técnica a las 6 cuerdas. El punto de originalidad con el sello Morcuende lo encontramos al final, con la guitarra distorsionada y el Grupo Consort en una simbiosis muy acertada.

Impresionante narración en “Dentro De Mi Mente” que, con un punto de ironía, nos hace ver paso a paso la insignificancia de nuestra  existencia y nuestra casa, la Tierra. Sin duda con intención de incitar la admiración y el amor a la naturaleza, las ambientaciones musicales, psicodélicas, épicas y con tintes de magnificencia galáctica. Arriesgadamente personal y original. El Morcuende literario se funde con el compositor musical para una pieza de psicodélica belleza.

El disco se cierra con dos regalos que no voy a comentar, para que vosotros mismos os animéis a descubrir. El primero de ellos es “Excisión de Griseida”, y el último “Siempre La Misma Canción”.

Una obra realmente magnífica, donde Morcuende demuestra que es uno de los grandes creadores de nuestro país, aunque su modestia y humilde trabajo haya hecho que muchos le estemos descubriendo en estos últimos años.

Estos discos piden a gritos múltiples escuchas, en principio para llegar a comprender y percibir todo el profundo trabajo y mensaje que contiene. Y después para disfrutarlos con toda la intensidad y las ganas que nunca se pierden cuando nos encontramos ante joyas musicales únicas.

Gracias Jose Luis…

 

CARLOS TREVIÑO COBO

MORCUENDE – Tres Caras de la Misma Moneda (2015)

TRES CARAS DE LA MISMA MONEDA (2015)

Antes de leer este artículo, puedes leer una Breve biografía de Morcuende en:

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morcuende-tres-carasEn 2015, Morcuende publica la primera parte de esta trilogía, en la que va a dar rienda suelta a su creatividad, sin la influencia de sus compañeros en Ishtar. El trabajo se entenderá mejor si tienes el libreto delante, pues hay textos e ilustraciones que ayudan a entender y enriquecen el mensaje.

El disco se inicia con “Canción de Cuna”, una canción acústica con teclados de Juan Olmos, reminiscencias de Queen y el típico rítmo regular de las cajas de música.

En seguida vemos lo personal de este proyecto en el tema “Un Craso Error”. Morcuende a la acústica y voz, acompañado de metales y percusión, le dice a alguien ofendido que su negativa emoción es innecesaria pues no hubo mala intención (¿quizás alguna experiencia personal real?)

En “Otra Vez”  nos encontramos con la Coral Polifónica de Candeleda, junto a los instrumentos de viento, Juan Olmos a los teclados y mi admirado Javier Mira a la guitarra eléctrica. Una canción con sabor medieval y tintes épicos gracias a las hipnotizantes voces de la Coral, y de su soprano, Rosa Montesinos. Las suaves melodías de Morcuende a la acústica juegan magistralmente con los coros y, en la última parte, con la guitarra de Mira, logrando una ambientación realmente mágica. Una composición de ocho minutos que no se hace larga en absoluto (más bien, todo lo contrario).

“Mileidi” es una muestra de la libertad y versatilidad con la que Morcuende ha creado su obra. Esta canción podría estar perfectamente interpretada en los salones palaciegos del siglo XVI (quizás de ahí provenga su inspiración), con los nobles y poderosos de aquellos tiempos bailando entre grandes vestidos y uniformes militares de la época… Para esta ocasión, Morcuende contó con una sección de cuerda compuesta por violines y violonchelo, además de una segunda guitarra acústica interpretada por Charly Díaz (junto a Morcuende).

La composición más larga del disco con casi 25 minutos es “San Borondón”, aunque está hábilmente dividida en varios capítulos y pistas. El primero de ellos, “Navegando por el mar de la confusión”, nos transporta a algún puerto marinero andaluz, con sonido del mar, gaviotas, y una guitarra flamenca acompañada de diversos instrumentos (cascabeles, pandereta, cajón, etc.) que nos evocan esa paz marinera del sur de España. “Tierra a la vista”, la segunda parte, es un intermezzo interpretado a medias entre Morcuende, con la guitarra acústico-eléctrica, y Juan Olmos, teclados. Aires del rock sinfónico de Asia ó Yes, que nos introduce en “Primera toma de contacto/ceremonia de gratitud sobre la arena”. Esta pieza que nos devuelve los aires medievales, aunque con sabor más folclórico y arábico. La guitarra eléctrica de Oscar García Morena rompe esas sensaciones de antaño y nos trae  al moderno rock progresivo hispano de los años 70.

“Lamento de la mente extraviada”, donde el bajo de Morcuende, que hace también este trabajo a lo largo de todo el disco (cuando es menester) sirve de guía primordial a su propia voz y guitarra, acompañado de Juan Olmos al piano y teclados. Un piano que se sumerje en aires experimentales de un jazz moderno y atrevido. En “El narrador” Morcuende se explaya en narrarnos la experiencia de quien estuvo en la legendaria isla de San Borondón, con la sugerente y ambiciosa ambientación de la Coral De Candeleda, el cuarteto de cuerda Consort, y las guitarras, afiladas y tenebrosas, de Nacho Ortiz y Oscar García. La profunda voz de Olmos resulta una agradable sorpresa que da un tono épico (grandilocuente) la narración. Con “De vuelta” se cierra esta compleja composición. Sin duda es el corte musicalmente más complejo, con gran trabajo de guitarras, teclados, percusiones y voces. Música inteligente, enormemente experimental, alejada de cualquier etiqueta.

En “Entre Duendes”  vuelven  las guitarras más acústicas, evocadoras de mundos fantásticos y medievales, con una historia (tan solo narrada en el libreto, pues la canción es instrumental) de hadas y duendes. Una canción que, sin duda, resultará evocadora para niños y adultos.

Una nueva canción de cuna (literalmente) nos llega en “Canción De Cuna Para Mi Niño Grande”, con el protagonismo principal de Angelita Gómez, y su voz. La canción está magistralmente acompañada y decorada por la Coral de Candeleda y el Cuarteto Consort.

Para cerrar el disco, el extraordinario teclista José Barta en “El Destino Del Mundo (Parte 2)”. Qué gran alegría me ha supuesto encontrarme con este apreciado teclista, como único protagonista de este tema extra donde da buena muestra de sus habilidades a los teclados.

Puedes leer el artículo sobre “La Vida en Blanco y Negro” en:

https://lahogueraod.wordpress.com/2017/03/05/morcuende-tres-caras-de-la-misma-moneda-la-vida-en-blanco-y-negro-2017/

CARLOS TREVIÑO COBO